油畫《故宮后院》1962年

　　 現今中國畫壇界的繁榮是這幾十年來藝術界的一大成就。中國的繪畫界在短短百年時間里，完成了西方兩千年的藝術迭代。在這其中，老一輩的畫家用其真誠之心，扎實的畫技，純粹的藝術審美，創造了一個純凈少欲的時代。懷念純真的年代，純真的藝術，純真的老一輩藝術家們。

　　 劉克敏先生是中國第三代畫家群像中獨特的一員，也是上海油畫創作代表性畫家，他用印象主義的繪畫語言創造了詩一般的繪畫作品，成為中國畫壇里富有詩意的老藝術家。

　　 60年代中期，央美開始實行導師工作室制。油畫系有三個工作室，分別是：

　　 吳作人先生的第一工作室，注重民族和本土風挌的探討；

　　 羅工柳先生的第二工作室，側重蘇、俄的寫實性傳統；

　　 董希文先生的第三工作室，強調畫面的表現性和個性化彰顯。

　　 劉克敏選擇了第二畫室，主導教師有留蘇歸來的林崗先生、鄧澍先生、李天祥先生，從馬克西莫夫在中國開設的油畫訓練班畢業的鐘涵、杜鍵、詹建俊、聞立鵬等先生。

　　 因為當時正倡導“革命的現實主義和浪漫主義相結合”創作方法，所以這一工作室的師資力量很強。選報的學生也較多。

　　 劉克敏性平和，畫風嚴謹，所以很自然選擇了第二畫室。和他同一畫室的還有邢國珍、張立國、葛鵬仁等，入學時寫生的小油畫，已畫得很有印象主義味道了！

　　 那一時期，中央美院各個系的造型和色彩路數，大體上是相同的：素描上是契斯恰柯夫那一套：講究從整體上觀察、剖析和刻畫對象；色彩上注重彼此間的和諧、統一，要“你中有我，我中有你?！崩渑瘜Ρ纫v究“在微妙中見變化——整體看去，是一派和諧、優雅的灰色調”。

　　 先生從來都不認同給他戴上蘇派這頂帽子，盡管他的老師們是留學蘇聯的畫家，但他們卻并未將蘇聯的模式強加給學生，學生們的取向和追求都是自由的。顯然先生深受印象主義的影響，且印象派對光和色的運用與研究深入他的一生。

　　 劉克敏先生曾這樣寫道：“光，是個很神奇的東西，它不僅使我們看到了眼前的一切，而且使我們感受到了豐富、空靈、層次、運動、氣氛、魅力......生命似乎是有聲的，像音樂?！彼€寫道：“陽光的表現是印象主義的一大貢獻。并非在印象主義之前的畫家不畫陽光，但他們或者以室內光方法表現陽光，或者也似乎注意到了外光的某些特征，但畢竟還未從根本上抓住要害，因此陽光仍未輝映起來。印象主義有了關于光現象的全新理論武裝，具有了一定全新的對光、色的洞察力，又從技術上找到了富有表現力的全新方法，于是，在他們的畫面上，陽光終于顫動起來了?！?

　　 先生本質上是一位激情畫派的畫家。他的激情源自對自然界，對鄉村生活的喜愛，而印象主義對光和色的運用恰好與畫家對鄉野感受不謀而合。面對一個景致，他總能找到一個特殊的構圖，這構圖里“光”是必然的一個重要環節：陽光下、月光下、陰天、陽光順光，逆光、側光、早晨、中午、黃昏，這些光映襯著景致，在他的畫面里產生了奇妙的色彩變化。而對于色的理解和運用，畫家的感悟也是獨特而犀利的，他寫道：“鮮艷二字用以寫文章，它可以替我們囊括一切，而在色彩審美中，它的內涵卻相當有限。鮮艷的顏色可能是美的，鮮艷的顏色不見得都美，更多美的顏色并不‘鮮艷’。油畫家從不簡單地追求鮮艷，他們忌諱色彩奪框而出。他們追求的是色彩的響亮，響亮所展示的微妙感覺和精深學問，絕不是‘鮮艷二字’所能描述。對顏色和效果的關切，是畫家終生的追求之一?！?nbsp;      

　　 在先生的作品里，因為有了對色彩和光的飽滿詮釋，畫面因此而富有了詩意和故事——風景不再是簡單的景致，正如先生最喜愛的柴可夫斯基的《如歌的行板》，在他的畫筆下，已然是一幅幅的如歌詩篇。

　　 上個世紀七八十年代，整個社會文化和現在截然不同。那時，山東海邊農民的屋頂是用海草做的，蘇州河道旁的房子是黑色和灰色的墻，古老的街道保持著百年的原樣，人們在河里洗衣服，鄉村沒有樓房和商業，一切都是質樸而單純的，就是因著這份樸素的力量促使畫家在十幾年間一次次深入鄉野。時隔半個世紀，當我們再次從畫作中看到這些早已不復存在的景象時，才能領悟真正的懷舊無關乎物質，而是一份深切的情懷，那是一種精神的寄托。

　　 響亮的灰調子始終是劉克敏先生對色彩的追求?；叶懥?，灰而濃郁，灰而豐滿，在微妙多變的灰色階中融入明亮的通透感，從先生的油畫人體作品里可以看到，這些飽滿的灰得到了充分運用。

　　 在先生的油畫繪畫中，一直堅持使用強烈而濃厚的筆觸。他不是看不見皮膚是透明的，桃子是毛茸茸的，只是他不愿意那樣去解讀，他更愿意讓筆觸肆意在畫布上留下濃厚的印記，從而形成濃厚的畫意。豐滿的筆觸和響亮的灰調子是他一直的追求，最終也成就了他的詩意的畫風。

　　 演員們一旦站在聚光燈下，就會進入興奮表達的狀態，先生也有相似之處。只要他面對真實景物拿起畫筆時，他就激情澎湃，對表現主體他是那樣地興奮的，靈思泉涌，當下的感受和思考即興躍然畫布上。先生總是能在平凡的景物前尋找不平凡的色彩關系。當九十年代初誕生數碼相機后，他也趕時髦買了一臺，想著用數碼相機來抓拍更多的景致后回畫室創作。事實上，當回看那些數碼相片時他沒了激情和表達的欲望，至此，他始終堅持面對真實的實物，用當下的感受直接進行創作，先生認為只有肉眼所見的光和色，才能傳達出最鮮活和微妙的色彩。

　　 值得一提的是，劉克敏先生也是一位著名的卓有成就的環境藝術家。1979年，張汀、袁運生等畫家創作的以云南潑水節為題材的大型環境壁畫《生命的贊歌》于首都機場大廳落成，在美術界引起極大震動。面對我國剛剛起步的環境藝術，在上海同濟大學建筑系任教的劉克敏坐不住了。

　　 經典的藝術都是相通的，劉克敏先生設計的壁畫有百余幅。它們都是出自于先生的手繪稿，繼而由工匠用手工打造而成，某種意義上，先生的壁畫作品不經意間體現了artdeco的精神所在：戲劇性裝飾效果，新型材料，手工制作。他將現代風格與精細的工藝和豐富的材料相結合，表現華美、魅力、奔放以及對社會和技術進步的信念。劉克敏先生在壁畫設計中采用了不銹鋼、杜邦石和鑲嵌木材等新材料，達到戲劇性的裝飾效果。它們代表了上世紀90年代后的時尚，營造象征繁榮和成熟的優雅美學。

　　 1990年，上海率先建造城市地鐵，先生為90年代的上海地鐵一號線和二號線六個站點設計了壁畫。在這一系列的壁畫設計中，先生大膽嘗試了多種材料的運用，創造不同的質感語言，將現代化和工業化的產品賦予了時代的溫度。九十年代初期的上海市民不再需要擠公交，人們愉快地享受著現代城市的便利，每天進出地鐵站點都能看到劉先生設計的巨幅壁畫，家喻戶曉。如今這些壁畫都在重新裝修中不復存在，但它們卻是永遠印在上海人民往昔美麗生活的記憶中。

　　 終其一生，先生始終用一顆真誠的心去畫他所見，還原繪畫藝術最初的本真，用自己的眼和心賦予畫面美的氣韻，這種真誠樸實之作也只屬于那個年代。那時的畫家不必去思考如何出奇制勝，如何驚世駭俗，或如何用哲學的文字來解釋作品的真意，他們只需要對繪畫保持永遠的初心，他們只需要對自己的初心負責，這也是繪畫的本源之所在。

　　 這樣的一種審美的體驗，就像閉上眼睛欣賞一曲鋼琴、一曲吉他、亦或一曲巴松管的演奏，悠然、恬適。

　　 你會慢慢進入畫境，你會為畫中的氛圍和氣場所感染，你會被它們所陶醉。

　　 是的，劉克敏為我們留下的這些作品，因為浸透了他熾熱的情感，對生活、對自然、對人生、對藝術、對友誼的真誠和愛戀，于是，便成就了這樣一份藝術遺產。

　　 它屬于我們這個時代，為我們所珍視！

　　 劉克敏（筆名劉克）簡介

　　 中國第三代油畫家，著名畫家，環境藝術家，教育家。

　　 1938-2022 出生于河北唐山市

　　 1965中央美術學院油畫系畢業（第二工作室）

　　 1965年起任教于同濟大學建筑系。教授，碩士導師。

　　 作品多次參展于上海市美術作品展，并參展全國宣傳畫作品展、第六屆全國美術作品展、第七屆全國美術作品展、第九屆全國美術作品展、全國首屆壁畫大展（2004年），取得壁畫“春華·秋實”獲銅獎。

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